La palabra “arte” viene del latín ars, artis, y éste del griego: el término se refiere a la habilidad, virtud o disposición para hacer algo Así las cosas, podemos relacionar la expresión “Artes plásticas” con un grupo de medios, técnicas y conocimientos de los cuales se vale el “maestro en artes”

ARTES PLASTICAS

Existen las siguientes clasificaciones de Artes:

Las artes menores, tales como, la cerámica, la herrería, la orfebrería, la tapicería, la ebanistería, el repujado, el mosaico, etc.
Las segundas corresponden a aquellas artes en las que se privilegia la búsqueda de valores estéticos, sin atender a la utilidad. A  menudo se les ha llamado “Bellas Artes” o artes mayores, por ejemplo: pintura, escultura, arquitectura, música, literatura, danza, teatro, ópera

Las Bellas Artes también se han clasificado según distintos criterios: artes del oído (música y la poesía), artes de la vista (arquitectura, pintura, escultura y dibujo) y artes mixtas (danza, teatro y ópera).

ü  De acuerdo con el grado de imitación que hagan de la naturaleza se han pensado como:

ü  esencialmente creadoras (arquitectura, música y poesía),

ü  esencialmente imitadoras (escultura y pintura),

ü  y artes que participan del afán creador y del imitador (danza, teatro y ópera).

Por lo anterior describiremos unas técnicas utilizadas en la artes plásticas:

DIBUJO

El dibujo es el arte y técnica de dibujar. Mediante el acto de dibujar, queda plasmada una imagen, sobre un papel, lienzo o cualquier otro material, haciendo uso de diferentes técnicas.

El dibujo es una forma de expresión gráfica en un plano horizontal, o sea en dos dimensiones. Es también una de las artes visuales. A lo largo de los años la humanidad lo ha utilizado como una forma de expresión universal y también de transmisión de la cultura, el lenguaje y demás.

El dibujo sirve de herramienta expresión de los pensamientos o de los objetos reales, cuando hay cosas que las palabras no pueden explicar se dice que es mejor dibujar. Siempre el artista realiza un trabajo mental previo a plasmar sus ideas, en donde mezcla ideas, sentimientos, recuerdos u otros para obtener el acabado final.

Tipos de dibujos

• Artístico: En este tipo de dibujo se expresan las ideas del artista, haciendo uso de diferentes técnicas, como la perspectiva, e incluso de materiales, ya que existe una extensa variedad de lápices y otros elementos para dibujar, como el carboncillo.
• Técnico: Este segundo tipo es utilizado para hacer representaciones de diferentes cosas, por ejemplo planos de arquitectura o dibujos topográficos. En el dibujo técnico la principal intención es representar de la mejor forma posible, de la más exacta, las dimensiones y la forma de un objeto determinado. Es la clase de dibujo que utilizan los profesionales en su trabajo (ingenieros, arquitectos, geólogos, etcétera). A su vez, el dibujo técnico tiene cuatro clasificaciones: natural, continuo, industrial y definido.

De acuerdo con el objeto del dibujo, puede clasificarse en:

• Dibujo de concepción
• Dibujo de definición
• Dibujo de fabricación
• Dibujo industrial

Muchos artistas afirman que no es importante tener una gran habilidad para ser justamente dibujante o pintor, sino que lo más importante es la capacidad de expresión.

PINTURA

La pintura es una manifestación artística de carácter visual que se sirve de un conjunto de técnicas y materiales para plasmar, sobre una superficie determinada, una composición gráfica según ciertos principios estéticos

La pintura conjuga elementos de la representación plástica como las formas, los colores, las texturas, la armonía, el equilibrio, la perspectiva, la luz, el movimiento, etc., para trasmitir al espectador una experiencia estética que evoque emociones, conceptos, ideas, e innumerables interpretaciones en un sentido social, psicológico, cultural, político, religioso, etc.

Como tal, es una disciplina que consiste en aplicar sobre una superficie determinada (una tela, una hoja de papel, una lámina de madera, un muro) una serie de pigmentos o sustancias orgánicas, para crear una composición de formas, colores y texturas que dan lugar a una obra de arte. 

La pintura es una de las expresiones más antiguas de las bellas artes. Su origen se rastrea en las pinturas rupestres del hombre prehistórico diseminadas por todo el planeta, y mantiene absoluta vigencia en el mundo contemporáneo, donde además de los soportes y las técnicas tradicionales, se vienen a sumar las técnicas digitales que las nuevas tecnologías proporcionan.

La pintura puede clasificarse de diferentes formas:

·         Según los temas que represente: histórica, de género, paisaje, naturaleza muerta, desnudo, etc.

·         Según criterios históricos: prehistórica, grecorromana, gótica, renacentista, barroca, moderna, etc.

·         Según las tendencias o movimientos en que se sitúe: realismo, impresionismo, simbolismo, vanguardismo, hiperrealismo, etc.

·         Según las técnicas empleadas: óleo, cera, acuarela, puntillismo, témpera, acrílico, pastel, temple, tinta, fresco, etc.

Por otro lado, como pintura también puede denominarse el soporte donde está pintado algo, bien sea un lienzo, una lámina, una pared, etc. Por extensión, también se denomina pintura a la obra pintada en sí.

Una pintura es también el color preparado para pintar, bien sea un cuadro, una pared, un automóvil, etc.

Como pintura, por otro lado, también podemos denominar la descripción o representación viva y detallada de personas o cosas que hacemos a alguien valiéndonos de la palabra: “Me hizo una pintura de la mujer que vino y, según su descripción, no puede ser otra que Leticia”.

• Acuarela: Cuando el aglutinante es la goma arábiga y como vehículo el agua.
• Témperas: Cuando el vehículo es agua y diferentes tipos de colas.
• Collage: Generalmente es una técnica mixta, en donde se utilizan técnicas clásicas como el óleo, conjuntamente con el encolado de objetos diversos.
• Cera (o encáustica).- Cuando el vehículo son ceras, que normalmente se usan calientes o en formas de barritas que no necesitan calentarse.
• Lápices de colores: Son un conjunto de lápices con mina de diversos colores. Cómo aglutinante se emplean colas y ceras. Existen también los lápices acuarelables, es decir aquellos que una vez aplicados se puede utilizar el agua como medio de difuminar el color.
• Acrílicos: Cuando el vehículo usado son los diversos materiales sintéticos. El aglutinante es el alquil
• Pastel: Cuando se pinta con tizas de colores. Lo que da cohesión a las barras es la goma tragacanto.
• Temple: Cuando el aglutinante es una emulsión, generalmente huevo o caseína.
• Óleos: Cuando el vehículo empleado son aceites. 
• Técnicas mixtas: Cuando se emplean diversas técnicas en una misma obra.

Dentro de lo que se plantea como la clasificación de las artes, podemos ver que se clasifican en 2 grandes grupos (Bellas Artes y Artes Aplicadas) dentro de las aplicadas encontramos las artes gráficas. El diseño gráfico es una especialidad o profesión, cuyo objetivo es satisfacer necesidades de comunicación visual. Se ocupa de organizar imagen y texto, producidos en general por medios industriales, para comunicar un mensaje específico, a un determinado grupo social y con objetivos claros y definidos.

PHOTOSHOP

Es el nombre popular de un programa informático de edición de imágenes. Su nombre completo es Adobe Photoshop y está desarrollado por la empresa Adobe Systems Incorporated. Funciona en los sistemas operativos Apple Macintosh y Windows.

El nombre comercial de este producto se puede traducir del inglés como 'taller de fotos'. Aunque existen otros programas similares como GIMP o PhotoPaint, en la cultura popular se utiliza esta palabra para referirse también al 'retoque digital de una imagen".

Relación Fotografía y Diseño

La fotografía digital, por el lado de diseño, es un arte de visión personal donde te cuentan una historia y te muestran una fotografía desde un punto de vista. Funciona básicamente en crear un momento para atraer al receptor (cliente o consumidor). Un buen diseño siempre tendrá una grandiosa fotografía que enseña a mirar dentro y desarrollar sus propios puntos de vista.

Actividad

Uso del Photoshop

-Explicación a grandes rasgos del programa (mesas de trabajo, herramientas, componentes.)

-Selección de imagen, inicio de retoque con el uso de las diferentes herramientas.

Objetivos

ü  Enseñar las diferentes técnicas de dibujo con el sentido de plasmar nuestras ideas y pensamientos, para generar espacios de integración en lo educativo y poder utilizar estas mismas técnicas para nuestro desarrollo personal.

ü  Dar importancia a la pintura como medio para estimular la comunicación, la creatividad, sensibilidad, y aumentar la capacidad de concentración y expresión en el estudiante.

ü  Aportar de un modo rápido y sencillo las competencias necesarias para la creación de imágenes a partir de Photoshop, aprendiendo a retocar fotografías de manera profesional, aplicando efectos especiales a las imágenes y conociendo los distintos sistemas de colores profesionales.

LAS ARTES PLASTICAS EN NIÑOS DE LA PRIMERA INFANCIA

LAS ARTES PLASTICAS

Artes plásticas se entiende una clase de arte al mismo nivel que las artes escénicas, las artes musicales y las artes literarias. Las artes plásticas se diferencian de todas aquellas en su forma de expresión, ya que utilizan materias flexibles o sólidas, moldeadas, dispuestas o modificadas de cualquier otra forma a voluntad por el artista.

Dentro de ellas se integran tanto la pintura, la escultura, la fotografía, el dibujo o la ilustración; técnicas como el grabado, el moldeado, el arte del pincel, (u otras artes gráficas), y algunas artes decorativas y artes industriales como la cerámica, la alta costura o la joyería.

La educación artística en prescolar es REPRESENTADA ATRAVEZ DE LA EXPRESION GRAFICA

(formas, líneas, colores, texturas), tendiendo encuentra que esta es una cualidad que se desarrolla en los primeros años de vida, la cual sirve como medio un medio de comunicación, de ideas, pensamientos, Es una manera en la cual se refleja el interior del individuo, las actividades plásticas son esenciales para la construcción, del pensamiento, creatividad, gusto por la estética.

Las artes plásticas en la primera infancia, o más conocido como la expresión plástica envuelve un conjunto de técnicas estratégicas y efectos sobre los niños, los cuales dominan la técnica de dibujo libre, pintura con los dedos, o dactilopintura , pintura con pincel, recorte y pegado, moldeados con barro, plastilina, collage, entre otras.

 que requiere material específico , entre ellos papel blanco o de colores, lápices, pinturas, pinceles, brochas, papel bond , arcilla, plastilina, recipientes plásticos , tijeras, Colbón , papel periódico, revistas, cartón, cartulinas entre otros,  que el niño debe manipular para el progreso creativo de la actividad artística  por ejemplo sin el niño (a) tiene como actividad usar plastilina o arcilla para elaborar una figura humana , la misma requiere un  de condiciones para su realización ,  por ejemplo el niño debe tener la imagen  y representación de lo que es el ser humano, que por lo menos se divide en cabeza, troncos y extremidades , cada parte del cuerpo  incluso puede elaborar la figura con ropa y indica a su vez la noción de que es ella , sin embargo esta representación mental previa de la figura humana es difícil que le niño trabaje con plastilina no obstante es un proceso cognitivo que se produce en los primeros años de vida de los niños (a).

adicional debe manipular plastilina de diversos colores el cual lo ajusta como el predetermina , lo cierto es que al manipular se producen afectos que contribuyen con el desarrollo de LA MOTRICIDAD FINA Y GRUESA así como se estimulan aspectos cognitivos y socio emocionales ya que por lo general el niño o niña tiende a asociar las imágenes que representa y elabora en la plástica con su familia o adultos significativos en otras palabras el componente de expresión plástica en primera infancia con  la aplicación de las técnicas mencionadas  contribuye de una manera decisiva con el desarrollo  del niño (a).

ACTIVIDADES A REALIZAR:

El tren de la imaginación

1. Para esta actividad vamos a utilizar los siguientes materiales:

-Papel trasparente o vinipel

-Vinilos de colores variados

-Pinceles

-los puestos o pupitres del salón

Primero vamos a poner una mesa sobre la otra así con todas las sillas o puestos del salón

Luego vamos a forrar las patas de las sillas con el vinipel de esa manera vamos a hacer una

Superficie en la cual los niños puedan pintar luego se le da la indicación a los niños para que

Ellos utilicen su imaginación y empiecen a crear dibujos y pinturas de su elección para que

Luego puedan mostrar y exponer su trabajo frente a sus compañeros.

El cuerpo humano

1. Para esta actividad vamos a utilizar los siguientes materiales

-Arcilla

- papel que se absorba

Elaborar una figura humana, en arcilla en la cual se evidencie la cabeza, tronco extremidades, manos, ojos, boca, orejas, nariz  y cejas  y definiendo el género.

OBJETIVOS

1. Estimular la imaginación y la creación de los niños y las niñas por medio de la elaboración de un dibujo libre utilizando materiales diferentes para llamar la atención de la población con la que se valla trabajar.

2.esta actividad requiere un conjunto de condiciones para su realización ,  por ejemplo el niño debe tener la imagen  y representación de lo que es el ser humano,  y que por lo menos se divide en cabeza, troncos y extremidades , cada parte del cuerpo  incluso puede elaborar la figura con ropa e indica a su vez  la noción de que es ella , sin embargo esta representación mental previa de la figura humana es difícil que le niño trabaje con plastilina no obstante es un proceso cognitivo que se produce en los primeros años de vida de los niños (a), contribuyendo al  desarrollo cognitivo del estudiante y a la motricidad fina y gruesa permitiendo que el niño identifique el género masculino y femenino .

MADERA Y SUS TECNICAS

MDF

Un tablero DM es un aglomerado elaborado con fibras de madera aglutinadas con resinas sintéticas mediante fuerte presión y calor, en seco, hasta alcanzar una densidad media.

Presenta una estructura uniforme y homogénea y una textura fina que permite que sus caras y cantos tengan un acabado perfecto. Se trabaja prácticamente igual que la madera maciza, pudiéndose fresar y tallar en su totalidad

Recomendable para construir todo tipo de muebles (funcionales o artísticos) en los que el peso no suponga ningún problema. Son una base óptima para lacar. Excelente como tapas de mesas y bancos de trabajo.

No es apto para exterior ni condiciones húmedas, este tipo de madera, se hincha inmediatamente en contacto mínimo con el agua. En condiciones húmedas continúas los tableros se hinchan de tal manera que se llegan a desfibrar, llegando incluso a doblar su volumen, Básicamente se usa en la industria del mueble (en ebanistería para los fondos de armarios y cajones debido a que son muy baratos y no se pudren ni carcomen), la construcción e industrias afines, pero también se utiliza para hacer tallas y esculturas pegando varios tableros hasta conseguir el grosor adecuado, como soporte o lienzo de pintura, de base para maquetas, y como trasera de portafotos, posters y puzzles.

CALIBRE: 3 mm, 9mm,12mm,15mm,18 mm y 30 mm

TECNICAS

ARTE COUNTRY

El arte country es un conjunto de técnicas que consiguen transformar la madera cruda en hermosas piezas decorativas, se hacen estilos libres, se utilizan colores vivos y la variedad de temas hace que el resultado sean objetos decorativos y funcionales.

En el arte country no tiene reglas precisas podemos crear, conjugar colores, innovar diseños y todo a partir de algunas técnicas que quiero compartir para que puedan comenzar a experimentar y conocer un poco mas de este nuevo estilo

DECOUPAGE

El découpage, una técnica decorativa de superficies que cuenta con tantos fans como detractores. Y es que el découpage, según cómo se use, puede llegar a ofrecernos un look que nos puede dar sensación de anticuado, e incluso puede llegar a parecernos una técnica de otro tiempo que no tiene cabida en las tendencias de hoy. Nada más lejos de la realidad: el découpage es sólo una técnica, ¡tú eliges el contenido! Y con Ella podrás decorar un sinfín de superficies de la manera que más te guste. Hoy vamos a contarte a grandes rasgos qué es el découpage, para que sirve y cómo aplicarlo; vamos, todo lo que necesitas saber para enamorarte perdidamente de esta técnica.

El découpage es una técnica decorativa que consiste en decorar superficies con imágenes de papel o de tela recortadas y fijadas a la superficie a decorar con un barniz. Con el découpage podemos decorar todo tipo de materiales: cerámica, madera, porcelana, metal, vidrio, cartón e incluso materiales como jabones o velas. La idea es que el acabado final sea muy parecido a cómo sería si hubiéramos pintado la superficie decorada con pintura y un pincel. Y por si no lo sabíais, una curiosidad: el término découpage proviene del francés découper, que significa recortar.

CHAPILLA – TARACEA

La taracea es una técnica artesanal aplicada al revestimiento de pavimentos, paredes, muebles, esculturas y otros objetos artísticos. En la labor se utilizan piezas cortadas de distintos materiales (madera, concha, nácar, marfil, metales y otros similares), que se van encajando en un soporte hasta realizar el diseño decorativo. Es un trabajo de incrustación. Entre unas piezas y otras hay un efecto de contraste que depende del color y la característica del material empleado.

Las combinaciones de piedras de distintas clases y colores se denominan mosaicos. Una variedad de ellos, usada especialmente en pavimentos, es el arte llamado cosmatesco, frecuente en Italia.

En pavimentos de madera Como parqué y tarima, es común su empleo para decoración en forma de fajas, medallones, grecas y demás motivos de decoración, muy común entre los palacios de la realeza europea.

RESINADO

Resina epóxica  extraresistente y transparente ideal para recubrimiento en superficies planas preferiblemente. Posee un brillante y hermoso acabado de cristal sobre la superficie, de alta resistencia e ideal para cubrir diversos tipos de proyectos decorativos, tales como cajitas, bandejas, portavasos, individuales y demás piezas

de uso continuo y que por ende requieren un producto adecuado que les permita resistir la abrasión y el uso constante.

PIROGRABADO

El pirograbado (Del griego. piros = fuego graphos = escritura) es una técnica de dibujo, primordialmente, mas su utilización abarca en la práctica, cualquier grabado empleando el aparato conocido en la actualidad Como pirograbador, el cual emplea electricidad para generar el calor suficiente en la punta.

Se trata de quemar un soporte, ya sea éste de papel, cartón, o madera, con el pirograbador marcando un dibujo sobre esa superficie. El pirograbado tiene varios mangos parecidos a soldadores de estaño, y varias cabezas con diferentes formas. Regulando la intensidad del calor que desprende la punta, se consigue más o menos intensidad en el quemado y, consecuentemente, distintas tonalidades del marrón suave al negro absoluto.

El método que antecede a la actual electro-termo-grabación es el del empleo de la llama abierta y un objeto metálico que absorbiese el calor para así transferirlo hacia la tabla de madera.

CRAQUELADO

El craquelado es un fenómeno de deterioro común en pinturas antiguas. Consiste en la aparición de grietas, que en los casos más graves llegan a fragmentar la capa de pintura y desembocar en su desprendimiento. Este signo de envejecimiento se suele imitar en muebles y pinturas para darles apariencia antigua.

CARACTERÍSTICAS

Dentro de los acabados es uno de los más comunes, prácticos y fáciles de realizar. Se reproducen las finas grietas que se forman a menudo en la superficie de viejas pinturas al óleo, lozas antiguas y muebles ajados por el paso del tiempo.

El craquelado se produce naturalmente por la contracción gradual y dispareja de las distintas capas de pintura. Colocando una capa de base sintética (secado lento) y otra encima de pintura de base acuosa (secado rápido) obtendremos este efecto. La pintura sintética seca lentamente generando tensiones superficiales durante un lapso de tiempo mayor; por esto, la capa de pintura superior, que es acrílica y secó rápidamente, se resquebraja siguiendo los movimientos de las tensiones de la pintura de base.

OBJETIVOS

- Implementar las artes plásticas para potenciar la creatividad, a través  de las distintas técnicas utilizadas sobre la madera.

- Identificar las distintas técnicas que se pueden utilizar sobre el MDF.

LOS TITERES

Según el Diccionario de la Real Academia de la Lengua el títere es: “aquella figurilla de pasta u otra materia, vestido y adornado que es movido por el artista con alguna cuerda o artificio”. En esta definición aparecen dos aspectos claves, por un lado que el títere es un objeto, algo inanimado y por otro lado, que a éste objeto le da vida un “artista”

Cualquier clasificación de los títeres debe tener una finalidad práctica y un sentido estrictamente técnico, división según cuatro criterios:

·         por la forma (corpóreos o planos),

·         por aquello que representan (objetos reales, ideales, animales, etc.),

·         por el sistema de manipulación (directo o indirecto) y

·         por la posición del manipulador

Estos 4 tipos  se dividen en subtipos en cada una de ellas, y que contemplaría las manos (desnudas o bien enguantadas), las figuras planas (rígidas o articuladas), las sombras, los títeres de guante, los de varilla, las marionetas, los bocones, el bunraku, los muñecos con partes vivas (Como los fantoches) y las mojigangas.

Requisitos para el trabajo con los títeres:

Es indispensable saber cómo es el personaje que representa el títere y con qué fin se utilizará. Se debe leer bien la obra, que no sea larga. El títere debe corresponderse con la edad de los niños. Estudiar con profundidad las características que representa el personaje. El títere debe tener forma definida de acuerdo a lo que representa, colores vivos y brillantes que despierten interés en los niños. Utilizar para su confección materiales que no constituyan peligro potencial para los niños. Imaginación de la persona que lo manipule.

Utilización práctica de los títeres:

Cuando la educadora, maestra o ejecutora planifica la utilización de uno o varios títeres a la vez, debe tener en cuenta que uno de los factores en el desarrollo de los niños es el lenguaje, por lo que se debe cuidar al máximo la expresión de quien manipula y habla para que llegue el mensaje positivo de lo que se quiere expresar por medio de los personajes representados en los títeres.

OBJETIVOS ESPECÍFICOS PARA ESTA ACTIVIDAD:

·         Diferenciar los diferentes tipos de títeres que existen

·         Conocer y poner en práctica la manipulación de los títeres elaborados en   clase

·         Motivación para utilizar la mímica y las palabras

·         Medio didáctico para dejar volar la imaginación.

 AEROGRAFÍA

Una aerografía es una técnica de aplicación por aspersión o difuminación aérea de pintura sobre una superficie u objeto, requiere de un cierto grado de entrenamiento, para ello se utiliza una fuente de aíre a presión positiva, mangueras neumáticas, compresor, proporcionando aire por Efecto Venturi sobre un aerógrafo que mezcla aire y pigmento prediluido en un solvente que lo proyecta en forma atomizada.

Debido a que es difícil realizar la técnica, que depende del artista y de la calidad de los equipos para lograrlo, la realización de la misma requiere una cierta preparación de los profesionales o estudiantes de arte. Los resultados son muy superiores a la aplicación con pincel o brocha y tienden a compensar la dificultad inicial.

Para esta técnica, se utiliza un instrumento llamado aerógrafo, que se conecta a un compresor de aire y crea finos chorros de aire con pequeñas gotitas atomizadas de pigmento.

La aerografía se usa para artes plásticas en superficies regulares y en especial irregulares, pintado de objetos de geometría variada, en especial el maquetismo, tatuajes sobre piel conocido como body paint , aplicaciones automotrices y grafitis; también se utiliza con para decorar tortas aplicando un tipo de pintura comestible.

La aplicación a escala industrial de la aerografía se realiza en fábricas automotrices, talleres de restauración, lacados artesanales, tratamientos de superficies, etc.

Historia de la aerografía

La aerografía es un arte que data de los tiempos prehistóricos, cuando los hombres lanzaban pigmentos en las cavernas, a través de tubos procedentes de cañas o huesos vaciados, logrando verdaderos efectos aerográficos

En las pinturas rupestres de Lascaux (Francia) es posible observar grandes pruebas de ello:

La historia de la aerografía es reciente, de poco más de un siglo de historia, en 1893 Charles Burdik, pintor acuarelista quien se trazó la meta de hacer un pincel mecánico, que hiciera un trazo más suave y que le permitiera un acabado más suave de sus obras y una mejor degradación del color. Inventando así El aerógrafo que hoy conocemos es tal vez el instrumento más perfecto y sofisticado para esparcir y pulverizar pintura con la máxima precisión.

el aerógrafo fue descalificado por los críticos como instrumento para crear arte. Esto no es de extrañar ya que en el pasado se descalificaba a cualquiera que se salía de lo que se consideraba académico, como sucedió con la mayoría de las tendencias artísticas   como por ejemplo los impresionistas.

Los que sacaron verdadero provecho de esta herramienta fueron los fotógrafos de principio de siglo. El hecho de que las fotografías fueran monocromáticas, hizo necesario el retoque para darles color y mayor nitidez, acentuando la definición, el contraste y realzando los efectos de luz y sombra.

De ahí que los fotógrafos se convirtieran en retocadores, y el aerógrafo la herramienta ideal, lograban difuminados  suaves, colores planos sin dejar huella en el original.

El primero en realizar obras vanguardistas experimentando con el aerógrafo fue Man Ray, pintor, fotógrafo, escultor y miembro de los grupos dadaístas y surrealistas de principios del siglo XX, el artista describió su experiencia con el aerógrafo con estos términos: “Los resultados son asombrosos, tienen calidad fotográfica aun cuando mis temas no son nada figurativos….Es apasionante pintar una obra sin apenas tocar su superficie, como si se tratara de un acto puramente cerebral ”

Durante muchos años el aerógrafo sobrevivió en el campo de la ilustración, el arte comercial de retocar fotografías, pintar carteles, e ilustrar anuncios, con lo que el aerógrafo quedaba fuera del campo de las Bellas Artes. Sin embargo, las cosas cambiaron en los años 60 cuando apareció el Pop Art, un movimiento artístico inspirado en las imágenes de la publicidad y el arte comercial. Este nuevo arte ofrecía al público imágenes de Marilyn Monroe, el bote de la sopa Campbell´s ambas de Andy Warhol, las viñetas de comic ampliadas de Lichtenstein, los estilizados desnudos de Wesselmann, etc. El Pop Art utilizó sin ningún prejuicio todos los medios de expresión a su alcance: óleo, acrílico, serigrafía, y por supuesto el aerógrafo.

Más tarde, a principio de los años 70 apareció otro movimiento artístico cuya temática era la imagen fotográfica que presentaba cuadros de grandes dimensiones pintados con un realismo absoluto y que presentaba imágenes de detalles ampliados, retratos gigantescos, detalles de motocicletas o automóviles, paisajes urbanos, comercios, bares, gasolineras y rótulos luminosos súper detallados. En 1972 en la bienal de Paris ese nuevo movimiento artístico quedó establecido como el Hiperrealismo, es decir el realismo elevado a su máxima expresión. Como era de esperar el aerógrafo era el instrumento perfecto para dicho estilo ya que ofrecía un acabado perfecto de las imágenes. Así esta nueva forma de expresión artística abría definitivamente las puertas de las Bellas Artes al aerógrafo en los años 80.

Desde entonces, el aerógrafo ha demostrado ser una herramienta muy versátil en manos expertas, como una extensión de la mano del artista. En la era del ordenador, el aerógrafo definitivamente ha entrado por las puertas de Bellas Artes, de hecho, todavía puede aportar muchísimo al arte ya que con él se pueden conseguir luces, efectos de humo, vapor, sombras sutiles, hermosas mezclas de colores y conseguir infinidad de texturas y efectos. Es un instrumento que permite al artista expresar sus sentimientos con plena potencia.

Hoy el aerógrafo no se limita exclusivamente al campo del retoque o diseño gráfico, sino que se aplica a muchos otros espacios artísticos. Artistas y pintores lo utilizan con el exclusivo propósito de mejorar el sentido técnico de su obra, y también dentro de la industria cinematográfica, la aportación del aerógrafo ha sido decisiva, en especial para el maquetaje y realización películas de aventuras galácticas, muy complejas en su producción

aun así, siendo casi tan antiguo como el hombre, a la aerografía no se le ha dado la calidad de arte, se reconoce como una técnica, pero en Colombia  no es ampliamente difundida, ya que en pocas instituciones está establecida como programa de formación, hay pocas personas especializadas realmente en esta técnica y su desempeño se aprende de una forma empírica y con poca técnica.

La aerografía es un arte que aporta un resultado final maravilloso con tendencia al realismo y acabado casi perfecto, dando volumen a los dibujos y una gama de colores a las creaciones; la persona que está en contacto con la técnica, se enamora inmediatamente por el resultado que aporta el uso del  aerógrafo a los trabajos; pero a pesar de ser una técnica de calidad no es muy conocida ni aplicada por la falta de difusión

 El aerógrafo no ha experimentado demasiados cambios desde  su creación hasta hoy. Su diseño es mas actual y aerodinámico, su acabado es mas perfecto y lujoso, pero la estructura básica de palanca de acción, salida de aire, aguja y boquilla ya existía desde sus inicios en 1893.

Existen tres grandes grupos de aerógrafos:

Los aerógrafos de acción sencilla: son aquellos que controlan el caudal de aire y el flujo de pintura, mediante un botón que acciona la válvula de entrada de aire; en estos modelos no es posible variar la velocidad ni la cantidad de líquido. Es aconsejable para iniciarse en la técnica

Los aerógrafos de acción doble: son modelos con más funciones, accionados por medio de una palanca que permite regular la cantidad de aire y pintura según convenga. Son aparatos de alta precisión, su uso es muy recomendable para profesionales y personas en etapa de iniciación en la técnica.

Los aerógrafos de acción doble independiente: son los más versátiles y sofisticados, con ellos el artista escoge tanto el volumen del aire como la cantidad de pintura que desee, ambos por separado. Es el mas habitual en el mercado.

LAND ART

Land Art. Tendencia del arte contemporáneo que usa los paisajes y los elementos de la naturaleza como escenario y medio para realizar obras de arte. El principio más importante del Land Art es intervenir en el espacio de la naturaleza, pero en ningún momento quiere ni busca maltratar el espacio, todo es con sentido artístico.

También conocido como arte de la tierra, puede ser visto como parte del amplio movimiento de Arte conceptual con auge en las décadas de 1960 y 70. Los artistas del Land art empezaron a trabajar directamente en la naturaleza, el paisaje; esculpiendolo o realizando esculturas con rocas o ramas; algunos de ellos usaron maquinas para mover tierra. Uno de sus exponentes, Richard Long, simplemente caminó de un lado a otro del terreno hasta que dejó una marca en la tierra. El Land art ha sido usualmente documentado con fotografías y mapas que los artistas han exhibido en las galerías. Los artistas de esta corriente también han realizado Land art en la propia galería trayendo materiales de la naturaleza y usandolos para crear instalaciones. Probablemente la obra más famosa de Land art es Spiral Jetty (1970) de Robert Smithson, una obra llevada a cabo en los lagos de Great Salt Lake de Estados Unidos.

Orígenes

Nació en la década de los 70's, y tiene como fin recordar la naturaleza que no sólo estamos olvidando, sino también maltratando. Las primeras obras de Land Art se realizaron en los paisajes desérticos del oeste estadounidense a finales de los años sesenta.

Generalidades

Las realizaciones artísticas adscritas en el movimiento Land Art son en su generalidad construidas en exterior, por tanto se encuentran constantemente afectadas por la erosión y por esta causa muchas de ellas han desaparecido y solo han quedado recopiladas en fotografías, grabaciones de vídeo, textos o catálogos. No obstante el carácter de las realizaciones Land Art no es tan efímero como el de otras modalidades como el Body art y el happening.

La finalidad de este tipo de realización artística es producir profundas emociones en el espectador, espectador que contextualizado en el paisaje anterior lo advierte diferente o cambiado por acción transformadora Del artista. En este sentido es válido destacar que el principio fundamental del Land Art es alterar el paisaje para producir el máximo de efectos y sensaciones. De modo general en las realizaciones de Land Art se pretende reflejar la relación entre el hombre y la tierra, el medio ambiente y el mundo, expresando de esta forma el dolor, el deterioro ambiental y climático.

El artista del Land Art utiliza como materia prima para sus obras la tierra, el medio ambiente. El soporte y el material es el propio paisaje existente, tanto urbano Como rural, lo mismo montañas, que desiertos.

La principal técnica que utilizan los artistas del Land Art es la instalación en el paisaje, donde sus trabajos interactúan con el medio ambiente de forma directa. Para ello, los artistas alteran la topografía, distribuyen colorantes en playas o desiertos, pintan árboles, piedras, etc.

El Land Art se encuentra dentro de las corrientes inscritas en la desmaterialización del objeto artístico, pues los artistas del Land Art niegan el papel preponderante de los museos y galerías, desviando su atención y práctica del arte a lugares inéditos y naturales.

Características

El propósito fundamental de alterar en sentido estético y artístico el paisaje

La obra de arte siempre posee una apariencia final que es juzgada Como híbrido entre escultura-arquitectura en el paisaje.

En las realizaciones el paisaje es referido como un nuevo espacio contemporáneo con dimensión artística.

Las obras de Land Art constituyen crítica y cuestionamiento al comportamiento artístico, alejando sus producciones de las tradicionales sendas de la comercialización e exhibición tradicional de los objetos artísticos (cuadros, esculturas, etc.).

Land art: la naturaleza como lienzo del paisaje

A  lo largo de la historia del arte el paisaje ha sido una temática que ha llegado a ser infravalorada en ocasiones. Sin embargo, diferentes artistas contemporáneos se han basado en él aportándole protagonismo al utilizar la naturaleza como medio de sus obras. El Land Art surgió Como vía de escape al comercialismo y buscando un entorno expositivo que estaba sin explotar hasta el momento.

La valoración de las obras de arte se ha visto influenciada por los temas representados. Durante gran parte de la historia del arte, el paisaje ha sido una temática con una valoración inferior a otras; siendo necesario el uso de diferentes recursos para justificar este tipo de representaciones. Sin embargo, no es hasta la llegada del Romanticismo y, posteriormente durante las primeras vanguardias, con la del Impresionismo cuando se revaloriza esta categoría que había sido rechazada tras un largo período de tiempo. No obstante, con la formación de otros movimientos y sus respectivas investigaciones, el paisaje queda nuevamente relegado como temática o representación.

Entre otras corrientes que cuestionan la materialidad de la obra de arte, surge el Land Art en torno a la década de 1960 y 1970, buscando una vía de escape y ante el cuestionamiento del comercialismo que se estaba produciendo sobre las obras de arte contemporáneo. El paisaje pasa de ser un elemento de representación, que aparece como protagonista o elemento secundario en la obra, a elemento fundamental y soporte sobre el que intervenir directamente.

Aumentando en el grado de intervención sobre el paisaje, tendríamos las obras de segundo grado o intervención moderada. Podemos encontrar obras que realizan modificaciones en los lugares seleccionados utilizando elementos que los artistas encuentran en ese mismo entorno como Road Stone line (2010) de Richard Long para la cual recoge piedras que están a su alcance para marcar aspectos que caracterizan ese site specific; otros materiales utilizados son tierra, madera, etc. Andy Goldsworthy presenta sus obras sobre lagos, los cuales mediante el efecto óptico completan la figura que comienza construyendo, creando unas obras totalmente poéticas, como es el caso de la obra de 1979 Forced sticks in water. No obstante, en base a otros planteamientos comienzan a utilizarse elementos no naturales y de origen industrial; como el hormigón, asfalto, etc. El uso del asfalto permite distintas aplicaciones, según la idea a materializar, como por ejemplo podemos diferenciar en las obras Asphalt.Rundown (1969) de Robert Smithson o Identity Strecth (1970) de Dennis Oppenheim. Mientras que Smithson derrama asfalto, dejando que se produzca el mismo efecto que el de la lava de un volcán —para cubrir un montículo de escombros—, Oppenheim aplica el asfalto de forma premeditada para dejar marcado ese lugar, confeccionando su huella y la de su hijo, como si el terreno se tratase de una hoja de papel.

La intervención de los espacios sigue en aumento llevando a cabo ideas que modifican en gran medida el paisaje llegando a transformar la orografía, clasificando a estas en el tercer grado o intervención grave. Ante estas intervenciones las técnicas aplicadas incluyen la excavación o la adición de tierra. Michael Heizer y Robert Smithson intervienen de esta forma para crear Replaced Mass y Broken. Circlerespectivamente. Se crean formas en la naturaleza que tienen poco que ver con las formaciones que pueden darse de modo natural. Sin embargo, la orografía no se ve afectada en gran medida. Además, en estas intervenciones vemos que no solo se produce la excavación o la adición de la materia, sino que se añaden elementos de grandes dimensiones; como piedras, que pueden haber sido encontradas durante estos procesos. Casos como la Spiral Jettyaportan mayor cambio, por el hecho de que la obra se introduzca de una forma más abrupta sobre el lago en el cual se encuentra, además de la gran innovación que suponen este tipo de obras.

Robert Smithson, Spiral Jetty, 1970. David O. Stevens

Una manera de entender y crear el arte perfecta para trabajar con nuestros niños mostrándoles caminos en los que crear a través de la interacción con el medio ambiente. Nuestros niños aprehenderán de la naturaleza y de sus múltiples posibilidades de creación, construyendo a partir de ella. Como dice Tania Abril en Land Art en Infantil:

“Los niños creativos no sólo son aquellos que dibujan con espontaneidad, que realizan trabajos intuitivos desde el punto de vista del adulto también son aquellos que ordenan realidades conocidas y las transforman en otras realidades más ricas, más complejas y más efectivas